Il y a les abbayes que l’on visite pour leurs pierres, leurs cloîtres et leurs histoires. Et puis celles qui offrent, le temps d’une visite, un autre regard sur leur patrimoine. À Beaulieu-en-Rouergue, Lee Bae dialogue avec l’architecture cistercienne ; à Auxerre, le Centre Pompidou s’invite à l’abbaye Saint-Germain tandis que les sorcières prennent possession de Daoulas. Et ce n’est que le début du voyage !

De la Bourgogne au Finistère, en passant par le Tarn-et-Garonne, les Landes et les Hautes-Pyrénées, voici cinq destinations où l’art se découvre au fil de monuments chargés d’histoire. De quoi s’offrir une dernière échappée avant que l’été ne tire définitivement sa révérence.

1. Abbaye de Beaulieu-en-Rouergue : le geste noir de Lee Bae

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Au fond d’une vallée du Tarn-et-Garonne, l’ancienne abbaye cistercienne de Beaulieu-en-Rouergue cache une histoire peu banale. Tombée dans l’oubli puis sauvée de la ruine dans les années 1960 par les collectionneurs Geneviève Bonnefoi et Pierre Brache, elle abrite aujourd’hui l’une des plus belles collections d’art moderne. Hans Hartung, Alfred Manessier, Simon Hantaï, Georges Mathieu ou Jean Dubuffet y côtoient désormais des artistes contemporains invités à investir les lieux.

Cet été, c’est le Sud-Coréen Lee Bae (né en 1956) qui prend possession de l’abbaye avec 23 œuvres de la série « En attendant ». Ses noirs profonds, ses morceaux de charbon et ses surfaces brûlées répondent aux pierres blondes et aux volumes dépouillés de l’ancienne église. Une confrontation tout en silence, où la matière semble faire écho à celle du bâtiment.

2. Abbaye Saint-Germain d’Auxerre : la mer en héritage

Mais que vient donc faire la mer à Auxerre, à plusieurs centaines de kilomètres du littoral ? Pour le découvrir, direction l’ancienne abbaye Saint-Germain, dont les cryptes carolingiennes comptent parmi les plus anciennes de France. Dans ce vaste ensemble monastique, les œuvres du Centre Pompidou prennent place là où l’on ne les attend pas.

Pour « La mer est ton miroir », les salles de l’abbaye se peuplent de bateaux, de paysages sous-marins, de créatures étranges et d’images d’abysses. Robert Delaunay, Man Ray, Peter Doig, Gilles Aillaud, Hicham Berrada ou Adel Abdessemed se répondent du cellier à la salle capitulaire, tandis que Nicolas Floc’h a conçu trois vitraux spécialement pour cette dernière, à partir des couleurs de l’Yonne, de la Seine et de son aval. Un voyage maritime sans quitter la Bourgogne, inspiré par le célèbre vers de Baudelaire.

3. Abbaye de l’Escaladieu : l’art au fil de l’eau

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De l’eau, de l’eau, encore de l’eau ! Au pied des Baronnies, dans les Hautes-Pyrénées, l’ancienne abbaye cistercienne de l’Escaladieu est installée dans un vallon verdoyant où ruisseaux et montagnes composent un décor particulièrement rafraîchissant. Fondée au XII^e siècle, elle conserve son église, son cloître et plusieurs bâtiments monastiques.

Pas étonnant donc que l’eau soit au cœur du « Chant de l’eau », une exposition qui réunit des artistes comme Hicham Berrada, Léa Barbazanges ou Charlotte Denamur. Installations, sculptures et œuvres immersives prennent place dans l’abbaye et ses abords, faisant dialoguer l’eau avec les pierres, les jardins et le paysage. Une bonne raison de s’attarder ici.

4. Abbaye des Prémontrés : quand la terre prend feu

De l’argile, du feu et un peu d’imagination… À l’abbaye des Prémontrés, à Pont-à-Mousson, la terre cuite raconte toute une histoire. Cet ancien monastère du XVIII^e siècle accueille « Terres d’ar(t)gile », une exposition qui fait remonter à la surface une histoire lorraine de la céramique, de l’Art nouveau à la création contemporaine.

Ici, les fours ont laissé place aux salles d’exposition, mais la matière est toujours là. Émile Gallé, Victor Prouvé, Géo Condé et les frères Mougin côtoient des céramistes d’aujourd’hui dans un parcours qui traverse formes, couleurs et techniques. Faïence, grès, porcelaine ou sculpture, la terre change de visage au fil des œuvres et des époques.

5. Abbaye de Daoulas : dans les pas des sorcières

La figure de la sorcière n’en finit pas de nourrir les imaginaires. Sorcières, guérisseuses ou devineresses ? Qui étaient vraiment ces femmes auxquelles on a prêté tant de pouvoirs ? Après Nantes et Pont-Aven, elle s’invite encore à Daoulas avec « Ma sorcière mal nommée », qui explore les savoirs, les pratiques et les représentations associés à ces femmes longtemps diabolisées. Œuvres, objets ethnographiques, archives et témoignages contemporains composent un parcours aussi documenté que surprenant.

L’exposition réunit des pièces rares prêtées notamment par le Louvre, le musée du quai Branly ou les Archives nationales. Le cadre vaut également le détour. Fondée au XII^e siècle, l’ancienne abbaye conserve un remarquable cloître roman, l’un des derniers encore préservés en Bretagne, ainsi que des jardins où plantes médicinales et espèces venues d’ailleurs poussent à l’ombre des vieilles pierres.

Quoi de beau chez nos voisins suisses ? Beaux Arts s’est promené de l’autre côté de la frontière, pour élaborer un carnet de voyage artistique automnal, entre grandes signatures et découvertes.

À Vevey, la biennale Images fête ses dix ans ; à Bâle, une collectionneuse oubliée sort de l’ombre aux côtés de Van Gogh et de Hodler ; quand Genève fait cap sur le futur avec notamment une expo à voir en famille ! Direction la Suisse, c’est de la dynamite !

À Vevey, une biennale des images en fête

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Famille, je vous aime ! Pour sa dixième édition, la biennale Images Vevey convoque 55 pays comme on réunirait ses frères et ses sœurs, tantes, oncles et cousins. Toutes les tribus sont conviées dans la ville de Vevey, à ciel ouvert. JR y célèbre les quinze ans de son « Inside Out Project », Douglas Gordon et Philippe Parreno ressuscitent Zidane, et Richard Billingham rouvre l’album de son enfance à Birmingham. Avec 50 installations gratuites dans toute la ville, la photo se savoure comme un grand banquet de famille.

À Lausanne, l’art subversif de Ted Joans

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Il se qualifiait de « surréaliste noir », fréquentait Salvador Dalí et André Breton, était l’ami de Jack Kerouac, et a joué de la trompette aux côtés de John Coltrane. C’est dire si l’univers de Ted Joans (1928–2003) promet de vous transporter ! Longtemps resté en marge des grands récits, l’artiste qui ne rentre dans aucune case se révèle à travers une toute première monographie au musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne (MCBA). Dessins, collages et films font dialoguer surréalisme, jazz et panafricanisme, de Louisville à Tombouctou, en passant par Tanger et Paris.

Du verre et du manga : deux expositions originales au mudac

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Bienvenue au temple du mignon ! À Lausanne, le musée cantonal de Design et d’Arts appliqués contemporains (mudac) s’est changé en arche de Noé de verre, à admirer encore pendant quelques semaines. Plus de 300 animaux soufflés par les maîtres verriers de Murano, réunis pendant six décennies par l’historien d’art Pierre Rosenberg, ont envahi Plateforme 10 avec une cohorte d’éléphants, de bassets et autres poulpes interrogeant notre manie de mettre le vivant en vitrine. En écho, le musée rend hommage à Isao Takahata (1935–2018). Cofondateur du célèbre Studio Ghibli, le cinéaste de Heidi et du Tombeau des lucioles a construit, entre le Japon et la Suisse alpine, un pont animé unique. Storyboards et celluloïds composent les salles de l’expo à arpenter jusqu’au 27 septembre.

À Genève, la stimulante carte blanche à John M Armleder

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Chaque année, depuis 2021, le musée d’Art et d’Histoire de Genève confie les clés de ses réserves à un artiste. Pour cette édition 2026, c’est John M Armleder, figure tutélaire de la scène suisse, qui a pioché dans les 800 000 pièces de la collection pour rebattre les cartes. Bouchons de liège surmontés d’animaux en argent, boule disco dévalant l’escalier, salle des armures muée en « salle du vide »… À 78 ans, l’artiste iconoclaste prouve que le musée et l’art restent un formidable terrain de jeu.

À voir en famille à Genève

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Et si l’on emmenait les enfants faire un tour dans le futur ? Le musée d’Ethnographie de Genève (MEG) a coconstruit avec deux classes genevoises sa nouvelle exposition, pensée pour être accessible dès huit ans, sans pour autant être niaise pour les grands. Robots ratés, cartes de tarot, daruma japonais ou casque censé dialoguer avec les animaux : au total 200 objets interrogent notre besoin de deviner ce que sera demain. Un cabinet de curiosités ludique et coloré, où les familles envisagent cette question : le futur, c’est quoi ? Avec un tas de pistes !

À Martigny, Rodin sous la plume de Rilke

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À Martigny, Auguste Rodin (1840–1917) retrouve son plus fervent admirateur, le poète Rainer Maria Rilke (1875–1926). Secrétaire, admirateur puis biographe du sculpteur, ce dernier logea quelques mois à Meudon, aux côtés du maître. Avec la complicité du musée Rodin à Paris, la fondation Pierre Gianadda développe, à travers Le Penseur, Le Baiser ou La Danaïde, un parcours guidé par la plume lyrique de Rilke. Un dialogue entre bronze et poésie, complété d’un espace dédié au séjour de l’écrivain dans le Valais, où il repose depuis 1926.

À Bâle, le tourbillon d’une grande collectionneuse

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Alpiniste, pilote de dirigeable, photographe et l’une des plus grandes collectionneuses d’art de Suisse. Voici en quelques mots le portrait de Gertrud Dübi-Müller (1888–1980), personnalité méconnue ayant mené plusieurs vies à la fois. Amie et modèle de Ferdinand Hodler, elle acquiert dès sa majorité un portrait de Van Gogh et bâtit une collection réunissant Cezanne, Klimt, Giacometti ou Matisse. Le Kunstmuseum Basel lui consacre sa première grande rétrospective en 80 œuvres, réunissant des photographies inédites, pour dessiner une femme aussi libre au volant de son cabriolet qu’au milieu de chefs-d’œuvre.

Pourquoi les sourires sont-ils si rares dans l’histoire de l’art ? Qu’est-ce-que le nombre d’or ? Le syndrome de Stendhal existe-t-il vraiment ? Les artistes ont-ils un don ? Dans cette série, à retrouver ici en intégralité, notre journaliste Malika Bauwens répond de manière aussi précise que concise à ces questions pas si bêtes que vous vous posez sur l’art.

Un peintre derrière son chevalet planté face à un champ de coquelicots et quelques touches de couleur brossées sur la toile. C’est l’image qui vous vient sûrement quand vous songez à l’impressionnisme. Cette vision n’est pourtant pas tout à fait vraie !

Tout part d’une obsession propre au mouvement impressionniste et qui lui a donné son nom : saisir un instant fugace, une « impression ». Pour capter cette lumière qui change sans cesse ou ce nuage qui ne fait que passer, une innovation décisive se fait jour en 1841. Cette année-là, le portraitiste américain John Goffe Rand dépose le brevet d’un tube métallique en étain souple, fermé par un bouchon vissé, capable de conserver la peinture sans qu’elle ne sèche.

Une révolution à plein tubes

Fini les vessies de porc qui fuient et les pigments broyés à l’atelier ! Les artistes vont pouvoir emporter leurs couleurs dehors, prêtes à l’emploi. Commercialisé par Winsor & Newton, puis par la maison Lefranc en France dès 1859, la peinture en tubes change radicalement la donne.

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Le cinéaste Jean Renoir, fils du peintre Auguste Renoir (1841–1919), rapportera même les mots de son père sur l’ampleur de ce bouleversement : « Sans les tubes de peinture, lui aurait expliqué son père, il n’y aurait tout simplement pas eu de Cezanne, de Monet, de Sisley ni de Pissarro ». Pour peindre son Bal du moulin de la Galette en 1876, les témoins rapportent que Renoir faisait transporter son immense toile de 1,30 mètre de haut sur 1,70 mètre de long dans les ruelles pentues de Montmartre pour s’installer sur le lieu des festivités.

Monet, du plein air à l’atelier…

La belle anecdote s’arrête là. Car pour réaliser son chef-d’œuvre, le peintre va jongler entre trois lieux : le bal lui-même, au cœur de la foule, son atelier du 12 rue Cortot pour les retouches, et son jardin où il fait poser ses modèles. Car dans la grande majorité des cas, les impressionnistes réalisent seulement une ébauche sur le motif, avant de retravailler longuement la toile en atelier.

Il en va de même avec Claude Monet (1840–1926), pourtant érigé en champion de la peinture en plein air. Le maître de Giverny reprend souvent ses œuvres pendant des semaines, parfois des mois : « La couleur est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment », confiera-t-il, résumant des années de doute et de reprises face au motif.

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« Aucun art n’est aussi peu spontané que le mien. »

Edgar Degas

La méthode de Monet s’inscrit à rebours de l’image du peintre spontané. Pour les séries des « Meules », des « Peupliers » ou de la « Cathédrale de Rouen », il emporte parfois une dizaine de toiles sur le motif. Dès que la lumière change, il abandonne l’une pour saisir l’autre, celle qui correspond à la nouvelle heure du jour. Pour lui, il est donc davantage question de précision dans l’observation, bien plus que de vitesse d’exécution.

Le tempo à contretemps de Degas

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Autre contre-exemple : Edgar Degas (1834–1917), qui peint très peu en extérieur. Ce dernier multiplie les esquisses et revient sans cesse sur ses compositions en atelier, allant jusqu’à s’opposer au cliché de l’instantané. « Aucun art n’est aussi peu spontané que le mien », affirmait-il. Si les impressionnistes travaillent bel et bien plus vite que leurs aînés académiques, laissant apparaître volontairement une touche vibrante et fragmentée, aucun d’entre eux ne boucle un tableau en quelques heures.

Quelques chaises dépareillées, des danseuses aux gestes saccadés et vifs, une musique en boucles rythmiques. Les connaisseurs de danse contemporaine auront probablement reconnu dans ces quelques indices le spectacle Rosas danst Rosas, qui a rendu célèbre sa chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker en 1983 et introduit au monde son écriture singulière, entre gestes répétitifs, discipline sévère et sensualité.

Bonne nouvelle : en cette rentrée, le théâtre de Chaillot reprend Rosas danst Rosas du 10 au 17 septembre. Les quatre interprètes se nomment Jasmine Achtari, Eva Galmel, Nina Godderis et Momiji Kuromaru, et la musique est toujours signée de Thierry De Mey et Peter Vermeersch. Le jeudi 17 septembre, une rencontre avec les artistes est prévue à la fin de la dernière représentation.

Entre tension et sensualité

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Sur scène, que verra-t-on ? « Une œuvre charnière, radicale, souvent lue comme un manifeste féminin », écrit la rédactrice du magazine Danser, Agnès Izrine. Joué pour la première fois sur la scène du théâtre de la Balsamine à Bruxelles, Rosas danst Rosas met en scène quatre femmes dans un environnement banal, quotidien, domestique pourrait-on dire, avec ses simples chaises alignées.

Leurs costumes sont simples, amples et légers comme des pyjamas, et leurs cheveux lâchés. Mais les bras se tendent brutalement, les nuques se baissent et se relèvent, les cheveux s’envolent, les mains se joignent et se serrent. Une tension implacable irrigue le spectacle, interrompue cela dit d’élans sensuels, de mains qui s’attardent dans les cheveux, de poitrines qui respirent et se détendent.

Une œuvre phare de la danse contemporaine

On peut lire, dans la répétition des gestes pourtant abstraits et leur brutalité, une critique du quotidien qui dévore les âmes et aliène les femmes. Née en 1960 en Belgique, Anne Teresa De Keersmaeker n’a que 23 ans lorsqu’elle dévoile cette création mythique. Elle est passée par l’école Mudra de Bruxelles et la Tisch School of the Arts de New York, et engage dès ses premiers spectacles de fortes relations entre danse et musique, en travaillant par exemple avec les compositions de Steve Reich. En 1983, elle crée sa propre compagnie, Rosas, et Rosas danst Rosas est sa première création.

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Devenu culte, le spectacle a fait l’objet d’un film réalisé en 1997 par la chorégraphe et Thierry de Mey. Aujourd’hui, son héritage continue de s’enrichir à travers la plateforme Re:Rosas !, sur laquelle on peut apprendre les mouvements de la deuxième partie, se filmer puis envoyer sa propre vidéo à Anne Teresa De Keersmaeker. Le site permet aussi de découvrir l’impressionnante collection de vidéos envoyées depuis 2020. À vous de jouer.

Des fastes du baroque aux lignes épurées de l’architecture contemporaine, les bibliothèques ont toujours offert un terrain de jeu privilégié aux architectes. Dans les salles baroques, fresques, sculptures, dorures et jeux de perspective composent de véritables décors de théâtre, où le savoir se donne à voir autant qu’il se consulte. À partir du XIX^e siècle, les grandes bibliothèques publiques et nationales adoptent une autre monumentalité : leurs façades et leurs salles incarnent le prestige des villes, des États ou des institutions, tout en accompagnant l’essor de la lecture publique.

Aux XX^e et XXI^e siècles, les formes se libèrent. Béton, verre, marbre ou acier remplacent parfois les boiseries et les ornements, tandis que la lumière et les volumes deviennent des éléments architecturaux à part entière. Certaines bibliothèques privilégient la conservation des collections, d’autres misent sur l’ouverture et la circulation des publics. Derrière cette diversité se dessine une même histoire : celle d’un lieu qui, de sanctuaire du savoir à espace culturel ouvert sur la ville, n’a cessé de se réinventer.

L’histoire de l’art aime les génies, célèbre leurs fulgurances, leurs révolutions. Elle s’intéresse plus rarement à ceux qui – avant les musées et le marché – ont su voir un chef-d’œuvre dans une peinture décriée. Gustave Fayet (1865–1925) est l’un de ceux-là et, paradoxalement, l’un des moins connus des collectionneurs français, tout simplement parce que sa collection a été dispersée après sa mort.

Alors que Gauguin est à l’époque largement rejeté, Fayet acquiert 200 de ses œuvres ; il est aussi le principal mécène d’Odilon Redon. Une collection de près de 1 000 pièces comprenant également Cezanne, Van Gogh, Degas, Matisse et Picasso. Passé sous les radars, Fayet, qui était aussi artiste, sera célébré cet automne dans une grande exposition à la fondation Louis Vuitton, à Paris, qui réunit pour la première fois nombre de ces chefs-d’œuvre, aujourd’hui propriété de musées du monde entier, ainsi que ses propres créations.

De l’importance des collectionneurs

On oublie souvent combien nos musées ont été et sont toujours nourris par les collectionneurs. Près de 35 % des collections du Louvre proviennent de dons ou de legs ! À titre d’exemple, le baron Edmond de Rothschild a offert 40 000 dessins et le docteur Louis La Caze 583 peintures de Chardin, Fragonard, La Tour… Près de 40 % des collections du musée d’Orsay proviennent de dons de collectionneurs et environ 50 % pour le Centre Pompidou si on inclut les dons d’artistes et les dations. Aux États-Unis, les collectionneurs remplacent quasiment l’État puisque 70 à 90 % des œuvres du Metropolitan Museum, du MoMA ou de l’Art Institute de Chicago proviennent de dons privés.

Outre leurs donations en France, les collectionneurs proposent depuis les années 2000, à travers leurs fondations, des expositions avec des points de vue et des pièces exceptionnelles. Je pense à Antoine de Galbert, qui prête pour des expositions nombre des œuvres de sa collection atypique et en dehors du marché. Et surtout à François Pinault qui, en plus de 40 ans et près de 10 000 œuvres, a constitué l’un des collections privées les plus importantes au monde.

Un mélange inouï de points de vue, de désirs, d’envies et de choix

« Je préfère toujours les œuvres qui dérangent, car ce sont celles qui résistent au temps et c’est là que se trouvent les chefs-d’œuvre. »

François Pinault

Mais ce qui la rend unique, c’est l’œil du milliardaire, qui a repéré très tôt des artistes négligés comme David Hammons. Et surtout son choix de privilégier les pièces les plus radicales : « Je préfère toujours les œuvres qui dérangent, car ce sont celles qui résistent au temps et c’est là que se trouvent les chefs-d’œuvre. » Ses trois lieux (deux à Venise, un à Paris) offrent à voir ses collections à travers des expositions très différentes de celles des institutions. Un regard à part qui nous nourrit autant que l’histoire de l’art ! Et cela fait école : Laurent Dumas, PDG d’Emerige, va ouvrir à l’automne un centre d’art contemporain consacré à la scène française, à partir notamment de sa collection mais pas seulement.

Il ne faut pas oublier les centaines de jeunes collectionneurs, peu fortunés mais qui eux aussi offrent des œuvres aux musées. J’aime les collectionneurs pour leur liberté, l’originalité de leur regard et leur générosité. Ce qui fait la grandeur, le caractère unique de la culture française, c’est ce mélange inouï de points de vue, de désirs, d’envies et de choix, entre nos musées et nos institutions d’une part et, d’autre part, ces collectionneurs extraordinaires et libres.

Pourquoi les sourires sont-ils si rares dans l’histoire de l’art ? Qu’est-ce-que le nombre d’or ? Le syndrome de Stendhal existe-t-il vraiment ? Les artistes ont-ils un don ? Dans cette série, à retrouver ici en intégralité, notre journaliste Malika Bauwens répond de manière aussi précise que concise à ces questions pas si bêtes que vous vous posez sur l’art.

Commençons par le plus emblématique des exemples avec le fameux Cri d’Edvard Munch. En 1893, le peintre norvégien immortalise une silhouette hurlante sous un ciel embrasé.

Dans son journal, l’artiste raconte avoir ressenti « le grand cri de la nature » face à ce ciel brusquement écarlate. Longtemps, les historiens d’art n’y ont vu qu’une projection psychique, l’expression d’une angoisse typique du symbolisme finissant.

Une catastrophe naturelle dans le ciel de Munch

Mais en 2004, des chercheurs de l’Université du Texas proposent une lecture météorologique. Selon les scientifiques, ce ciel correspondrait aux nuages spectaculaires observés jusqu’en Norvège après l’éruption du Krakatoa, en Indonésie, le 27 août 1883 – l’une des catastrophes naturelles les plus meurtrières de l’Histoire.

Hypothèse depuis nuancée par la chercheuse norvégienne Helene Muri, qui évoque plutôt des « nuages nacrés », iridescences stratosphériques liées à la destruction de la couche d’ozone. Volcanique ou polaire, le ciel du Cri garde une part de mystère mais nul doute que Munch représentait (en plus de tourments) un phénomène atmosphérique bien réel.

Les frimas du nord

Autre siècle, autre climat. Au XVII^e siècle, les maîtres flamands et hollandais peignent en boucle des scènes frissonnantes. Dès 1565, avec Les Chasseurs dans la neige, Pieter Brueghel l’Ancien invente l’hiver en peinture – un motif jusque-là quasi absent des toiles religieuses ou agricoles. Suivront Hendrick Avercamp, Adam van Breen, Gijsbrecht Leytens et leurs patineurs joyeux sur canaux gelés. Le géographe Alexis Metzger, qui a passé au crible 500 tableaux hollandais du Siècle d’or, y voit la trace du « petit âge glaciaire », période de refroidissement global qui s’étend de 1300 à 1850 environ.

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Gare toutefois à l’image d’Épinal car, selon le scientifique, les hivers glacés ne représentaient que 16,8 % des conditions météorologiques observées. Cette avalanche de patineurs tiendrait autant du fantasme identitaire, à savoir celui d’une jeune nation en guerre contre l’Espagne se rêvant unie sous la glace, que d’un relevé météo fidèle.

Toute une faune qui disparaît

Reste une observation des plus vertigineuses que nous enseignent nombre de tableaux et dessins : la biodiversité perdue. En 1611, Jan Brueghel l’Ancien crée L’Air, une allégorie foisonnante conservée au musée des Beaux-Arts de Lyon réunissant plus de 60 espèces d’oiseaux européens. Une étude publiée en 2026 dans la revue scientifique pluridisciplinaire américaine PNAS y a repéré une scène inédite. Brueghel a peint une chauve-souris noctule capturant un oiseau en vol, un comportement que la science n’a confirmé qu’en 2025, grâce à des balises embarquées.

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Au-delà de l’anecdote, les chercheurs voient dans cette toile de Brueghel la preuve que les tableaux naturalistes peuvent servir d’archives écologiques. En recensant les espèces représentées à une date donnée, ils permettent de mesurer, des siècles plus tard, l’ampleur du déclin actuel de la biodiversité. Ce même principe est appliqué aux poissons des natures mortes italiennes ou aux bouquets hollandais, révélateurs des routes commerciales – et aujourd’hui des extinctions.